20 лучших рок-альбомов 2017 года

«Современники»: Инди и альтернатива

10

Queens Of The Stone Age – “Villains”

Выбор группой QOTSA «злодейского» названия для своего нового диска нельзя назвать неожиданным. Обитатели пустынь под руководством Джоша Хомме всегда умели создавать весьма достоверное ощущение зла в музыке. В той или иной мере оно всегда просачивалось в их музыку и представало не нарочито страшным или пафосно-громким (и от того – более недостоверным), как у каких-нибудь метал-бэндов, а гораздо более простым, приземлённым, тоскливо будничным и даже немного ироничным и гротескным. А на этом альбоме – даже чуть более ритмичным, чем обычно у QOTSA. Всё потому, что на этот раз музыканты решили сделать свой альбом чуть более танцевальным, в результате чего категоризация Хомме как «пустынного Элвиса» приобрела еще большую актуальность. Гитарные ритмы здесь иногда, как водится у QOTSA, прихрамывают, а иногда начинают звучать как какое-то мутировавшее рокабилли.

Новые «Злодеи», возможно, лишены глубины и объема, свойственного предыдущему альбому группы “…like Clockwork”, но зато они, со всем своим злодейским шиком и демонической притягательностью, как ни странно, находятся гораздо ближе к рок-н-роллу, что по нынешним временам уже можно считать большим достижением. (МК)

Paul Weller – “A Kind Revolution”

Удивительно, но американцы к Полу Веллеру относятся совершенно равнодушно. Это в Англии он звезда первой величины, где абсолютно все его сольные альбомы (до 2012 года включительно), включая концертники и сборники, влетали в национальный топ-40, а 3 (из 17) пластинок занимали верхнюю позицию. При этом музыка, которую в последнее время предлагает Веллер, уверенно стоит на американской основе и любви Пола к фанкисоулу. Но сделана он безусловно очень по-английски: насыщена интересными мелодическими ходами, цепкими хуками, а роскошные и размашистые аранжировки баллад гармонично соседствуют с уверенным современным саундом более грувовых композиций. Грува и драйва, кстати, здесь немало. Так же, как и увесистых, настоящих фм-хитов, атмосферного рок-соула и фанки-бита. Все это сделано с идеальным вкусом и стилем. (АТ)

Блестящая пластинка. Впрочем, как и все его альбомы последних лет, которые одинаково прекрасны. (АТ)

The National “Sleep Well Beast”

Можно сказать, что The National построили карьеру на том, на чём другая группа могла бы построить одну песню - минорные приглушенные аккорды фортепиано и мужественный, сдержанно трагический баритон Мэтта Бернингера, на которого как будто навалилась разом вся мировая усталость; к этому можно добавить угрюмый пост-панковый бит, и рецепт, в общем, готов. Новый альбом The National, по сути, ничего нового в этот набор не привносит - разве что по моде времени становится чуть больше электронных фишек. Короче говоря, разгромить по первости новый альбом Ntl. очень легко, однако последующие прослушивания показывают, что электронная равномерность только усиливает гипнотический, завораживающий эффект от музыки. Обнаруживается, что здешние аранжировки насыщены неявными, но приятными нюансами - и далеко не всегда электронного характера. Слегка приглушённые мелодии тоже начинают проникать в голову не сразу, втихаря.

Что-то меняется и в настроении. Возможно, дело в политической озабоченности, охватившей в последнее время всех американских исполнителеей, но в музыке группы начинает ощущаться не просто усталая меланхолия, а настоящая напряжённость, которая в одних моментах сохраняется только на уровне интонаций, а в других - прорывается совершенно явным образом наружу в виде колючих и абразивных и не самых привычных для группы гитарных соло. Внутренние проблемы американцев нас волнуют меньше; важно, что мы получили не самый броский, но неожиданно сильный по форме и содержанию альбом от группы, которая легко могла бы плыть по течению и пожинать дивиденды. (МК)

Читайте также: The National: «Мы научились не доводить дело до драк»

Liam Gallagher – “As You Were”

В отличие от креативного братца Ноэла Галлахера, вышедшего в открытый космос со своей группой «высоко парящих птиц», оставшийся у разбитого корыта Лиам в своем первом сольном (если не считать странный проект Beady Eye) альбоме просто сочится желчью, приправленной, как водится со времен Oasis, псевдобитловскими гармониями или полупародиями на них. Но, как ни странно, именно это желчное отношение к беглому братцу, проецируемое на весь мир и Прекрасную Даму от песни к песне (в том числе в названии альбома), придает произведению особую остроту и настоящий драйв.

Начиная с первой песни-боевика "World of Glass" и до закрывающей альбом прекрасно-язвительной баллады "I Never Wanna Be Like You", новый альбом Лиама – это то, что могло бы случиться с Oasis, если бы они существовали до сегодняшнего дня, очищенные от звуковой каши, полные странного мелодизма, здорового пессимизма и неиссякающей любви к битлам, но ни на шаг не продвинувшиеся вперед. (АБ)

The Horrors – “V”

Пятый альбом одной из самых неординарных «новых» групп, развивающих стремительно теряющий в популярности рок в новом веке. The Horrors, начинавшие с готик-панка в стиле Ника Кейва, и переигравшие за 10 лет и пост-панк, и шугейзинг, и краут, и что только не, на “V” предстают уже состоявшимися мастерами. Замешав традиционно звучащий гараж с дрим-попом и приладив к нему по-ньюордеровски-задорный дэнс, The Horrors создали картинку идеального альбома 2017 года: даже звуча в фоновом режиме, их песни заставляют обращать на себя внимание и прислушиваться, а уж завладев вашим вниманием полностью, атакуют из всех орудий.

Когда-то гроза панк-фестивалей, сегодня The Horrors выступают с Depeche Mode, а ее вокалист Фэрис Бэдван солирует в заразительных диско-треках Hercules and Love Affair. Обложка “V” прекрасно иллюстрирует, как должна сегодня выглядеть рок-музыка, чтобы зацепить молодежь – это калейдоскоп стилей и смыслов, намертво спаянных в загадочную, притягательную фигуру. (НГ)

King Gizzard & The Lizard Wizard – “Polygondwanaland”

Австралийцы, которые в последнее время привлекают к себе все большее внимание, бьют в этом году все мыслимые и немыслимые рекорды по количеству записей. Из запланированных еще в начале 2017 года 5-ти альбомов уже успело выйти 4. Но год еще не закончен, и лидер команды Стю Маккензи грозится, что финальный, пятый диск увидит свет в самом конце этого продуктивного для группы года.

Самое главное, что при такой фантастической по современным меркам активности, качество материала не то что не страдает, а выглядит свежим, экспериментальным и новаторским, а каждый из выпущенных дисков имеет свое лицо и индивидуальность. Но, пожалуй, именно четвертая по счету работа “Polygondwanaland” – наиболее яркая по воплощению и разнообразная по содержанию. В своей музыке, строящейся на хороших мелодиях, группа крайне удачно и гармонично соединяет абстрактную психоделию, мощный гараж, изобретательный прогрессив и ритмичный краут-рок с аутентичными фолковыми и электронными элементами, добиваясь интереснейшего результата. Все это легко заметить на главной, десятиминутной композиции “Crumbling Castle", которая похожа на стилистический калейдоскоп с постоянными переходами и контрастным настроением.

Отличительная особенность этого альбома состоит в том, что он распространяется полностью бесплатно – ни на какие авторские права авторы материала не претендуют и слушатель может прямо сейчас скачать с официального сайта группы любой удобный для себя вариант: MP3- или WAV-файлы, образ CD или даже мастер-тейпы для создания виниловой пластинки. (СКо)

Steven Wilson – “To The Bone”

Вне всякого сомнения, Стивена Уилсона, бывшего лидера проекта Porcupine Tree, можно назвать одним из самых интересных и многоплановых музыкантов современности. Кажется, что он с равным успехом может работать в навороченном прогрессив-метале, жёстком альтернативном роке, гипнотическом трансе или же в меланхоличном инди. На своём новом сольнике Уилсон делает весьма отважный шаг в сторону радиоформатной поп-музыки. Временами здесь можно услышать и электронный бит, и женский вокал; но замечательно наблюдать, как Уилсон балансирует на грани жанров, или же попросту взрывает формулу изнутри: в один момент приятный женский голос перекрывается стеной гитарного нойза, в другом – в нехитрый вроде бы поп-роковый номер внедряется совершенно улётное гитарное соло, и такие фокусы происходят сплошь и рядом.

Интересно и то, что массовый слушатель вполне оценил эти стилистические игры: впервые для Уилсона его пластинка заняла первое место в британских чартах. И это лишний раз доказывает старую истину: доступное может также быть и неглупым. Жаль, что такое сочетание мало кому удаётся. (МК)

Читайте также: Стивен Уилсон "To The Bone": До мозга костей

Elbow – “Little Fictions”

Гай Гарви и Elbow, казалось бы, давно уже отработали свою формулу и полтора десятка лет выпускали альбомы полные духоподъемной грусти — хоть дома в пледе роняй слезу, хоть подпевай на Гластонбери. “Little Fictions”, естественно, вверх ногами ничего не ставит, но слушается свежее и, в кои-то веки, способен надолго залипнуть в плеере. Возможно, одна из причин — это уход из группы барабанщика Ричарда Джаппа. С новым ударником Алексом Ривзом, пару лет назад работавшим с Харви над его сольником, появился новый бит, гармонии и структуры чуть усложнились. Музыка группы стала прозрачнее, а всплески то фортепиано, то оркестра только подчеркивают новообретенное умение работать с внутренним пространством песен.

Elbow сделали очевидный шаг вперед и тут же в чем-то отступили на пару шагов назад. По ощущениям, альбом ближе не к последним работам группы, но к ее дебюту “Asleep in the Back” еще 2001-го, а если копнуть глубже, то и к «отцам» Talk Talk. Но если в обоих упомянутых случаях от романтики до клаустрофобии было полшага, то в “Little Fictions” через всю грусть сквозит надежда на лучшее. (МХ)

Noel Gallagher’s High Flying Birds – “Who Built the Moon?”

Одна из главных интриг 2017 года – «кто кого, Лиам или Ноэл?». В то время, как младший из братьев Галлахер сделал ставку на сотрудничество с именитыми саунд-продюсерами, Ноэл на своем третьем сольном альбоме ударился в эксперименты с психоделик-роком и почти что диско – и победил по всем фронтам. Весь “Who Built the Moon?” - от могучей инструментальной “Fort Knox”, уделывающей лучшие инструменталки Oasis, до милого акустического бонус-трека “Dead in the Water”, передающего привет фанатам “Wonderwall”, - пролетает на одном дыхании и требует снова нажать на “Play”.

Участие культовых Пола Уэллера и Джонни Марра кармически обогащает драйвовый материал. Бывшие музыканты Oasis, сбежавшие было к Лиэму в Beady Eye, но вовремя опомнившиеся и присоединившиеся к Ноэлю после записи этого эпика, сделали правильный выбор. (НГ)

Читайте также: Ноэл Галлахер “Who Built the Moon?”: Не брат ты мне

Slowdive - “Slowdive”

В последние три года бывшему командиру лэйбла Creation Алану МакГи должно мощно икаться. Некогда затоптанные брит-попом и высаженные на окраину «большой музыкальной истории», Slowdive взяли реванш и устроили даже не реюнион, а целый ренессанс. На фоне коллег-шугейзеров типа My Bloody Valentine, Ride и Lush возвращение лучше всего удалось именно им. Хотя на поле стилей дрим-поп и шугейзинг, кажется, все уже придумано, Slowdive и не стали изобретать велосипед. Вместо этого они выпустили альбом, фактически ставший недостающим звеном между их шедеврами “Souvlaki” (1993) и “Pygmalion” (1995), — и оттого не имеющий аналогий. От первого умение писать интересные песни и мелодизм Нейла Хэлстеда, который, кажется, так оставался недооцененным за всеми гитарными эффектами. От второго — атмосфера, экспериментальный флер и непростые структуры композиций.

Из-за чуть шершавого звука песни будто проглядывают из-под вуали, а Slowdive рассматривают отражение самих себя в старом зеркале. Не будучи связанными обязательствами выдавать «хиты» и, видимо, не желая слишком далеко улетать в космос, группа записала еще один собственный классический альбом, и неважно, в 90-х или 2000-х. (МХ)

«Классики»: Классический рок

U2 – “Songs of Experience”

Спустя более чем 20 лет после окончания череды супер-успешных альбомов 90-х U2, наконец, возвращаются в форму, если это, конечно, можно так назвать: новые песни более хрупкие и интимные, чем стадионные зонги периода “Achtung Baby”, зато они удачно завершают (?) эволюцию этих великих рок-лицедеев - там, где раньше были бравада и секс, теперь опустошенность и тьма. Тем не менее, “Songs of Experience” – самый цельный альбом U2 в XXI веке: здесь есть и гремящие раскаты гитары, и головокружительные иммерсивные переживания, воплощенные сыро, реалистично, выпукло, как и пристало культовой группе.

Переслушайте “Lights of Home”, выполненную в стиле великого альбома “POP”, или “Red Flag Day”, вваливающую так, как не могла ни одна песня U2 со времен “War”, - эти четверо еще вполне способны удивлять и уверенно ставить на уши стадионы. Альбом венчает “13 (There Is a Light)”, демонстрирующая, что группа полностью осознала ошибки, связанные с перепродюсированием предыдущих альбомов. Если это действительно последний альбом U2 – трудно придумать этой классной истории более достойного финала. (НГ)

Читайте также: U2 “Songs of Experience“: Опыт любви

Chuck Berry – “Chuck”

Последний альбом легенды рок-н-ролла, ставший, увы, и посмертным, способен не только напомнить о былом, но и немало удивить слушателя, знающего маэстро по номерам вроде “School Days” или “Johnny B. Goode”. Бал на этой пластинке правит не столько фирменный рок-н-ролл, сколько блюз: открывающая “Wonderful Woman” с равным успехом может считаться и роковым, и блюзовым номером, “Big Boys” живо напоминают о песнях, принесших маэстро славу, ¾ time (Enchilada) сыграна в ритме вальса, в “Jamaica Moon” звучит регги...

А все это вместе, несмотря на спокойный темп и опять же блюзовый настрой некоторых композиций, звучит живее и непосредственнее абсолютного большинства нынешних завсегдатаев радиоэфира и хит-парадов. (СК)

Читайте также: Чак Берри "Chuck": Секрет настоящего рок-н-ролла

Snowy White & The White Flames – “Reunited”

Широким массам Теренс Чарльз Уайт, он же Сноуи Уайт, известен в первую очередь как концертный второй гитарист Pink Floyd - он участвовал в турах в поддержку альбомов “Animals” и “The Wall”, аккомпанировал звездам рока на концерте 1990 года в честь разрушения Берлинской стены и посетил Москву в составе гастрольной группы Роджера Уотерса. Кроме того, с 1983 года Сноуи выпускает и собственные пластинки, напоминающие о золотых временах Джей Джей Кейла и Dire Straits – красивая и аккуратная блюзовая гитара, мягкий вокал, спокойные песни… Случались в карьере Сноуи и работы потяжелее, но во времена, когда мощью и скоростью игры уже никого не удивишь даже в блюзе, неторопливая музыка такого рода действует как бальзам.

Все это можно сказать и о новой работе, выпущенной им вместе со старыми коллегами по группе The White Flames – ярко выраженных хитов здесь нет, но после нее остается удивительно светлое ощущение, и это уже немало. А такие песни, как “I Know Our Time Ain’t Long”, “Nuff Said” и “Time To Start Living”, не дают пластинке превратиться в снотворное. (СК)

The Strawbs – “The Ferryman’s Course”

The Strawbs – коллектив более чем заслуженный: существует аж с 1964 года, имеет весьма обширную дискографию, а в начале 70-х там играл даже Рик Уэйкман, ещё до присоединения к Yes, а позже и его сыновья Оливер и Адам. Если раньше The Strawbs работали на стыке кантри и фолка, то с приходом Уэйкмана все изменилось, и уклон пошел в сторону прога. Новый альбом группы внезапно оказался неопроговым в самом лучшем смысле этого слова. От него даже веет первыми двумя сольниками Фиша из Marillion, а отдельные композиции поначалу вызывают ассоциации с Брайаном Ферри, Кэтом Стивенсоном и даже Питером Гэбриэлом. Иногда при прослушивании будет приходить на память и творчество Дэвида Боуи самого начала 70-х, чему в немалой степени способствует и вокальная манера Дэйва Казинса (Dave Cousins), который поет в группе с первых же дней 1964 года.

Ветераны выдали на редкость успешный альбом, наполненный чудесными мелодиями, а также меланхолией. Что поделаешь, возраст. (ДШ)

Sparks – “Hippopotamus”

Старикам-разбойникам впору выдавать медали за многолетнюю службу. Группа существует уже почти полвека, выпустила больше 20 альбомов, а братья Рон и Рассел Мэлы так и держатся вместе. Собственно, к Sparks возникает уже отношение как к исторической данности — умный юмор, арт-поп и имидж взрослых хулиганов от музыки никуда не делись. В последнее десятилетие, впрочем, стало казаться, что Sparks предпочитают скорее ставить эксперименты на собственной грядке — что радиопостановка по Ингмару Бергману, что проект FFS c Franz Ferdinand. Однако, если верить Рону Мэлу, как раз после последнего братья вновь почувствовали вкус к работе с живой группой и… выпустили одну из лучших работ в своей дискографии.

Весь альбом похож на целый фейерверк идей. “Missionary Position”, “Edit Piaf Said It Better Than Me” и “Scandinavian Design” звучат как привет глэму 70-х, “Unaware” заход в поп-психоделику, “A Little Bit of Fun” заставляет вспомнить электронный период группы, оперетка “I Wish You Were Fun” — прикол над самими собой, а “Life with the Macbeths” и вовсе микро-опера. Что важнее, Sparks снова поймали способность писать бронебойные хиты вроде грандиозного околорелигиозного ерничества “What the Hell is It This Time”. Как в заглавной песне “Hyppopotamus” — считалке для взрослых детей — в бассейн валится все что угодно, от того самого бегемота, до картины Босха, Тита Андроника и хиппана на «фольксвагене», так и в альбом втоплена вся история Sparks, да еще с добавками. (МХ)

Alice Cooper – “Paranormal”

Элис Купер как фактический изобретатель шок-рока никогда не мог быть толком причислен к музыкальным хамелеонам – он всю жизнь оставался верен «базовому» хард-року, лишь косметически изменяя аранжировки и звучание своих простых и понятных песен. То же происходит и сейчас: дедушка мнимо опасного субстиля вовсе не фонтанирует свежими музыкальными идеями, а преподносит совершенно традиционный для себя альбом. Можно сказать и по-другому: современная мода на ретро-рок очень к лицу тем персонам, которые по собственному опыту знают, как звучала такая музыка – мэйнстрим, если угодно – 40 с лишним лет назад. (ВБ)

Да, “Paranormal” – стопроцентно ретро-роковый альбом, но безо всякого нафталинного звучания. И это следствие не только вдумчивой продюсерской работы опытнейшего Боба Эзрина, с перерывами сотрудничающего с Элисом с 1975 года, но и результат студийного воссоединения для записи ряда номеров с музыкантами еще группы Alice Cooper (1968–1973). Лучшие песни здесь слушаются настоящими выходцами из 70-х не без элементов жёсткого кабаре, которое всегда было Элису к лицу. (ВБ)

Читайте также: Alice Cooper "Paranormal": Элис и все его друзья

Deep Purple – “InFinite”

Вопрос уже давно не в том, запишут ли всенародно любимые патриархи хард-рока еще один хороший альбом – с их-то опытом совсем уж плохо не выйдет. Дело в другом: получится ли у Deep Purple достойно постареть и не записывать более таких песенных программ, которые в последний раз были под силу их исполнительским возможностям не менее 20 лет назад? И, несмотря на то, что “InFinite” раскручивался посредством пилотного сингла “Time For Bedlam”, представляющего собой глубокий римейк незабвенной “Pictures Of Home” (1972), истинная сущность алоьбома совсем другая: музыканты группы с удовольствием играют в эдаких патриархов блюза (или, точнее, блюзового хард-рока). В тех музыкантов, которые уже давно покорили рок-Олимп и могут позволить себе немного расслабиться.

Результатом стал настоящий блюз-роковый альбом, сравнимый с работами Whitesnake «джинсового» периода (1978–1982): ведь основа музыкального материала здесь — это не только мелодия и умения инструменталистов, но и настоящий блюзовый грув. Лучший ретро-роковый альбом 2017 года? Странно слышать такое о Deep Purple, но лучшего определения для “InFinite” не подобрать. (ВБ)

Читайте также: Deep Purple “InFinite”: Достойная осень патриахов

Roger Waters – “Is This the Life We Really Want?”

Строчка “Wish you were here in Guantamo Bay…”, проносящаяся в злющем манифесте “Picture That”, забавным образом оказывается не просто игрой слов, но и в чем-то характеристикой первого за 25 лет номерного альбома Роджера Уотерса. “Is This the Life We Really Want?” слушается почти как Pink Floyd, но перенесенный в 21-й век со всей его политической и социальной дрянью. И с “Is This the Life…” трудно удержаться от аналогий с теми или иными моментами, которые ты уже слышал. Оммажи 70-м и, в первую очередь, альбому “Animals”, здесь рассыпаны щедрой рукой. Продюсер Найджел Годрич, второе лицо после Уотерса на этой записи, будто претворил свою детскую мечту и поиграл в любимую группу. Атмосфера, клавишные партии, аудио-коллажи и сведение партий в целом безошибочно отправляют слушателя во времена, когда травка была зеленее, а свиньи жирнее.

Но если давным-давно Уотерс в песнях разбирался с собственными комплексами, в пост-флойдовую эпоху пошли вопросы всемирные. Артист мощно раздает всем сестрам по политсерьгам, за метафорами и «факами» в карман не лезет, хотя временами и думается, что заявки могли бы быть не такими лобовыми. Впрочем, суровому обаянию песен желчного старика отказать трудно. Невероятно, но свой лучший сольный альбом Уотерс все-таки выпустил — и сорока лет не прошло. (МХ)

Читайте также: Роджер Уотерс “Is This the Life We Really Want?”: Спасибо, что живой

David Gilmour – “Live at Pompeii”

Дэвид Гилмор возвратился на арену амфитеатра в Помпеях через 45 лет после съёмок знаменитого фильма, и выбор площадки сразу же задал интонацию всему действу. Как сказал сам Гилмор, на концерте «присутствовали призраки» – призраки ушедших друзей и ушедшего времени. Надо сказать, что Дэвиду и его команде прекрасно удалось погрузить публику в «ту самую» эпоху, создав тот самый, мгновенно узнаваемый «флойдовский» саунд. Величественное дыхание органа, потусторонние звуки клавишных, яркий саксофон, единственная в своём роде гитара, захлёбывающаяся и щемящая, неспешно парящая где-то в небесах, словно тот самый альбатрос. Бэки, упруго подчёркивающие мелодические линии, и лидер-вокал самого дядюшки Гилмора, совсем не изменившийся со временем.

Сет тщательно сбалансирован – «флойдовская» классика, все слова которой публика знает наизусть, не столь канонические композиции Pink Floyd, номера с сольных альбомов Дэвида – всё звучало гармонично и цельно. Аранжировки выверены до последней мелочи, сыграно безупречно. Короче, первое с 79 года нашей эры публичное представление в помпейском амфитеатре достойно самых высоких оценок. (ПК)

Robert Plant – “Carry Fire”

К профессионализму и какому-то запредельному уровню качества работ Роберта Планта нет вопросов с 1969 года. Так же, как и к какому-то его постоянному творческому поиску. В истории рок-музыки есть несколько классических определений, например, музыканты, «меняющие стили как перчатки» - это Дэвид Боуи и (местами) Боб Дилан. Хотя таковых, разумеется, значительно больше. Собственно, почти все, кроме Rolling Stones-AC/DC-Motorhead-ZZ Top (спасибо им за это!) Роберт Плант в этом списке где-то на верхних местах. Он с завидной легкостью переходит от синтезированного волнового звука 80-х к почти металлическому звучанию 90-х, а от какого-то рок-прогрессива с сильными восточными мотивами в сторону фолка и американы. Плант вообще уже давно занимается исключительно тем, что ему интересно, без оглядки на гипотетического слушателя. Вот почему ему не интересен тур Led Zeppelin. К тому же снова складывается ощущение, что Роберт в свой почтенный почти 70-летний возраст находится в самом расцвете творчества. В очередном расцвете.

Это уже второй альбом Планта с группой Sensational Space Shifters, и он определенно поинтерснее и поживее предыдущей пластинки “Lullaby and the Ceaseless Roar” 2014 года. Кажется, Роберт нашел идеальный музыкальный баланс. На “Carry Fire” есть все его фирменные фишки: здесь много старых добрых вокальных пассажей, которые мы любим со времен той самой группы, и фолк, и любимые Робертом псевдоарабские мотивы, и атмосферные баллады, и рок-экспериментальный налет в саунде имеется, и грув-материала здесь тоже немало. А в песне “Bluebirds Over The Mountain” очень даже уместно засветилась прекрасная Крисси Хайнд. Весь этот материал, как уже отмечалось, невероятно высокого качества и распределен по альбому в идеальной пропорции. Это работа великого мастера, где к звуковой детализации относятся с таким же вниманием, как и к сонграйтерству. И, что характерно, Плант совершенно не молодится, но при этом выпускает очень современную музыку. Сильный, глубокий релиз. Возможно, лучший со времен “Dreamland” 2002. (АТ)

Читайте также: Роберт Плант “Carry Fire”: Похищение огня

Всеволод Баронин (ВБ), Александр Берензон (АБ), Николай Грунин (НГ), Сергей Князев (СК), Сергей Косик (СКо), Михаил Кузищев (МК), Пётр Кулеш (ПК), Александр Топилов (АТ), Макс Хаген (МХ), Дмитрий Шавырин (ДШ).